हम बताते हैं कि समकालीन कला क्या है, इसकी विशेषताएँ और इसकी शैलियाँ कैसी हैं। साथ ही उनका संबंध आधुनिक कला से भी है।
समकालीन कला क्या है?
समकालीन कला में के रूपों को शामिल किया गया है कला हमारे युग के, के प्रतिबिंब के रूप में निर्मित और व्याख्या की गई समाज वर्तमान, अर्थात्, बीसवीं शताब्दी से उत्पन्न हुआ है। हालाँकि, यह समझना महत्वपूर्ण है कि यह परिभाषित करना एक कठिन अवधारणा है और जिसकी सीमाएँ इस बात पर निर्भर करती हैं कि किससे सलाह ली जाती है, इस हद तक कि कई लोगों के लिए आधुनिक कला और समकालीन कला के बीच वास्तव में कोई अंतर नहीं है।
समकालीन कला को परिभाषित करने में यह कठिनाई "समकालीन" शब्द के साथ है, जो एक ऐसे वर्तमान को संदर्भित करता है जिसे ठीक करना बहुत मुश्किल है समय का इतिहास, और यह इस तथ्य के कारण भी है कि कला के क्षेत्र में अपनी खुद की अवधि का उपयोग किया जाता है, जो हमेशा इतिहासकारों द्वारा उपयोग किए जाने वाले से मेल नहीं खाता है।
इस प्रकार, कुछ के लिए, आधुनिक उन्नीसवीं शताब्दी और बीसवीं की पहली छमाही के लिए विशिष्ट है, समकालीन को बीसवीं सदी के अंत और इक्कीसवीं शुरुआत के लिए छोड़ देता है। लेकिन इस संबंध में कोई आम सहमति नहीं है, क्योंकि मूल रूप से वे सौंदर्यवादी हैं और कालानुक्रमिक परिसीमन नहीं हैं।
तब समकालीन कला को कुछ सौन्दर्यात्मक विशेषताओं और कुछ दार्शनिक सरोकारों के आधार पर परिभाषित करना होगा, जिनमें से कई, हालांकि, आधुनिक कला में पहले से ही मौजूद थे, या कम से कम उन्नीसवीं सदी के मध्य और उत्तरार्ध की अवधि में। यही कारण है कि कुछ लोग "उत्तर-आधुनिक" शब्द का उपयोग उस संदर्भ में करना पसंद करते हैं जो कड़ाई से समकालीन है।
किसी भी मामले में, समकालीन कला एक व्यापक और जटिल श्रेणी है जिसमें मानवता की नवीनतम कलात्मक अभिव्यक्तियों और कलात्मक शैलियों को शामिल किया गया है, और यह औद्योगिक और उत्तर-औद्योगिक (या डिजिटल) समाज के लिए विशिष्ट है।
जिस समाज को यह प्रतिबिंबित करता है और इस कला ने पिछले ऐतिहासिक चरणों के संबंध में महान परिवर्तन प्रस्तुत किए हैं, जो कुछ मौलिक प्रश्नों की निरंतर और निरंतर खोज की ओर इशारा करते हैं, जैसे कि कला क्या है?
समकालीन कला के लक्षण
मोटे तौर पर, हम निम्नलिखित विशेषताओं को समकालीन कला के लिए जिम्मेदार ठहरा सकते हैं:
- कुछ वर्गीकरणों के अनुसार, इसमें 20वीं शताब्दी की शुरुआत से लेकर आज तक की कलात्मक प्रवृत्तियां शामिल हैं। दूसरी ओर, केवल 1960 के बाद के लोगों को समकालीन मानते हैं।
- प्रयोग और जो नया है वह अपने आप में एक मूल्य है, विशेष रूप से नए के संबंध में तकनीक और नई सामग्री का संबंध है, जिसमें 20वीं शताब्दी के अंत में डिजिटल कला की उपस्थिति और नए का उपयोग शामिल है प्रौद्योगिकियों.
- के केंद्रीय तत्वों में से कई परंपरा कलात्मक, अक्सर एक तरह से लोहे का.
- आलंकारिक को छोड़ दिया जाता है और मतिहीनता, द ज्यामितीय आकृति, रेखा और अराजकता संभव अभिव्यंजक विधियों के रूप में।
- कला और कलाकार की प्रकृति पर प्रतिबिंब निरंतर है, और इसमें संग्रहालय जैसे वैध स्थान भी शामिल हैं, संस्थानों, आदि।
- शैलियों के बीच की सीमाओं को पार किया जाता है, एक संकर, मेस्टिज़ो, अनिश्चित कला की ओर इशारा करते हुए।
समकालीन कला शैलियाँ
पॉप आर्ट ने रोजमर्रा की उपभोक्ता वस्तुओं के प्रतिनिधित्व और उपयोग का सहारा लिया।
आंशिक रूप से इसके समस्याग्रस्त वैचारिक परिसीमन के कारण, यह जानना आसान नहीं है कि कौन सा स्कूल या शैली समकालीन कला या आधुनिक कला है या नहीं, और सूची पुस्तक से पुस्तक में महत्वपूर्ण रूप से भिन्न हो सकती है। हालाँकि, कुछ सबसे प्रसिद्ध समकालीन शैलियाँ हैं:
- फाउविज्म या फोविज्म। यह एक सचित्र आंदोलन था जिसकी उत्पत्ति 1904 और 1908 के बीच फ्रांस में हुई थी, जिसका नाम फ्रांसीसी आवाज के अनुरूप है फॉव, "भयंकर"। यह के पैलेट की ओर इशारा करता है रंग की अपने चित्रकारों के लिए इतना उत्तेजक, कि यह प्रथा के साथ टूट गया और वास्तविकता के प्रति बहुत वफादार नहीं होने वाले स्वरों में उद्यम करने का साहस किया। हेनरी मैटिस (1869-1954), आंद्रे डेरैन (1880-1954) और मौरिस डी व्लामिनक (1876-1958) को इसके सबसे महत्वपूर्ण संस्थापक और लेखक माना जाता है।
- क्यूबिज्म. घनवाद का उदय हुआ यूरोप 1907 और 1924 के बीच, और बीसवीं शताब्दी के अवंत-गार्डे के उद्भव के लिए महत्वपूर्ण महत्व की एक संस्थापक प्रवृत्ति मानी जाती है। इसमें के साथ एक वास्तविक विराम शामिल था चित्र पारंपरिक, जिसने तोड़ने की हिम्मत की परिप्रेक्ष्य चीजों का एक व्यक्तिगत, व्यक्तिपरक परिप्रेक्ष्य के बजाय यथार्थवादी, उद्घाटन। क्यूबिज़्म के पिता पाब्लो पिकासो (1881-1973) और जॉर्जेस ब्रैक (1882-1963) थे, लेकिन वे उस समय के अन्य महान यूरोपीय चित्रकारों के साथ-साथ फ्रांसीसी कवि और कला समीक्षक गिलाउम अपोलिनेयर (1880-1918) से जुड़े थे। .
- दादावाद. 1916 में ज्यूरिख में वोल्टेयर कैबरे में उत्पन्न हुआ, यह एक बोझिल और विद्रोही प्रकृति का एक कलात्मक आंदोलन था, जिसने बुर्जुआ कला का विरोध किया और यक़ीन उस समय प्रचलित। रोमानियाई कवि ट्रिस्टन ज़ारा (1896-1963) और जर्मन कवि ह्यूगो बॉल (1886-1927) का काम, इसने अपना नाम शिशु बड़बड़ा से लिया (डाडावादी) क्योंकि उन्होंने के अनुक्रमों को महत्व दिया आवाज़ प्रतीत होता है कि निरर्थक है, "कुछ कहने" के दायित्व को तोड़ने के तरीके के रूप में। वह रवैया बाद में आंदोलन के अनुयायियों द्वारा अन्य शैलियों में विरासत में मिला, जैसा कि प्रतिमा और पेंटिंग।
- अतियथार्थवाद. 20वीं सदी के यूरोप के महान सांस्कृतिक आंदोलनों में से एक, जिसका मूल सिद्धांत फ्रायडियन अचेतन की दुनिया तक पहुंचने के लिए तर्क और निष्पक्षता से दूर जाना था: सपने, मतिभ्रम और कल्पनाएं। अतियथार्थवादी आंदोलन औपचारिक रूप से तब शुरू हुआ जब 1924 में फ्रांसीसी कवि आंद्रे ब्रेटन (1896-1966) प्रकाशित हुए अतियथार्थवादी घोषणापत्र पेरिस में, एक ऐसा शहर जो पेंटिंग, मूर्तिकला में उद्यम करते हुए, दुनिया भर में अपने विस्तार में आंदोलन की धुरी था, साहित्य और यहां तक कि फिल्मी रंगमंच. इस आंदोलन में विभिन्न राष्ट्रीयताओं के अनुयायियों की एक बड़ी संख्या थी, जिनमें ब्रेटन स्वयं, सल्वाडोर डाली (1904-1989), रेने मैग्रिट (1898-1967), मार्सेल डुचैम्प (1887-1968), जीन अर्प (1887-1966) शामिल थे। लुइस बुनुएल (1900-1983), कई अन्य लोगों के बीच।
- इक्सप्रेस्सियुनिज़म. 20 वीं शताब्दी के महान कलात्मक आंदोलनों में से एक, जर्मनी में सदी की शुरुआत में पैदा हुआ, उसी समय फ्रांसीसी फाउविज्म के रूप में। उनका प्रारंभिक क्षेत्र चित्रकला था, लेकिन बाद में वे अन्य कलाओं जैसे साहित्य, मूर्तिकला, संगीत, द नृत्य, द थिएटर और सिनेमा, हमेशा विरोध के आधार पर प्रभाववाद और कला की उनकी तर्कसंगत, वस्तुनिष्ठ अवधारणा। अभिव्यक्तिवाद ने कलाकार की आंतरिकता को सबसे ऊपर महत्व दिया, और उसे विकृत कर दिया यथार्थ बात काम में इसे उस व्यक्तिपरकता की अभिव्यक्ति के अनुकूल बनाने के लिए, अक्सर स्वप्निल, उजाड़ और कुछ हद तक कड़वे परिदृश्यों के माध्यम से, युद्ध पूर्व जर्मनी की अवधि के विशिष्ट। हालांकि, यह एक सजातीय आंदोलन नहीं था, इसलिए इसकी शैलीगत विशेषताएं समय के साथ बहुत बदल गईं, हालांकि इसका दार्शनिक आधार संरक्षित था। इसके कुछ विशिष्ट प्रतिपादकों में एवार्ड मंच (1863-1944), वासिली कैंडिंस्की (1866-1944), पॉल क्ले (1879-1940), एगॉन शिएल (1890-1918), एमेडियो मोदिग्लिआनी (1884-1920) और मार्क चागल थे। (1887-1985), फ्रांज काफ्का (1883-1924) और बर्टोल्ड ब्रेख्त (1898-1956) जैसे लेखकों या अर्नोल्ड शॉनबर्ग (1874-1951) जैसे संगीतकारों के साथ।
- अमूर्त अभिव्यंजनावाद। 1940 के दशक में संयुक्त राज्य अमेरिका में पैदा हुआ एक सचित्र आंदोलन, कई यूरोपीय अतियथार्थवादी कलाकारों के नए महाद्वीप में प्रवास का परिणाम है। अमूर्तता के पक्ष में आलंकारिकता का परित्याग करते हुए, इस आंदोलन ने प्राथमिक रंगों और एक न्यूनतम दृष्टिकोण के साथ-साथ हिंसक रेखाओं को भी नियोजित किया। इसकी शुरुआत इसकी यूरोपीय विरासत द्वारा चिह्नित की गई थी, जिसका नेतृत्व इसके अग्रणी अर्मेनियाई अर्शीले गोर्की (1904-1948) ने किया था, जिसे न्यूयॉर्क में निर्वासित किया गया था, लेकिन यह जल्द ही पहला उचित अमेरिकी आंदोलन बन गया। अमूर्त चित्रकारी, जिनके सबसे बड़े प्रतिपादक प्रसिद्ध जैक्सन पोलक (1912-1956) या मार्क रोथको (1903-1970) हैं।
- पॉप कला। "पॉप आर्ट" का जन्म अमूर्त अभिव्यक्तिवाद और दादा आंदोलन की एक गैर-विडंबना और कम विनाशकारी निरंतरता की प्रतिक्रिया के रूप में हुआ था। इसकी शुरुआत 1950 में यूनाइटेड किंगडम में हुई थी और 1960 की शुरुआत में संयुक्त राज्य अमेरिका में हुई थी, और इसकी आवश्यक अवधारणा कला और जीवन का पुनर्मिलन था, जो कि शीतलन के माध्यम से था। भावनाएँ. ऐसा करने के लिए, उन्होंने जन संस्कृति की स्पष्ट सतहीता का सहारा लिया, और एक अच्छी तरह से परिभाषित रेखा के साथ दोहराए गए डिजाइनों के साथ-साथ रोजमर्रा की उपभोक्ता वस्तुओं का प्रतिनिधित्व और उपयोग, जैसे एंडी वारहोल द्वारा प्रसिद्ध कैंपबेल सूप के डिब्बे (1928) - 1987), शायद इसका सबसे अच्छा ज्ञात प्रतिपादक। यह के करीब एक चाल थी विज्ञापन और कुछ हद तक उत्साहपूर्ण, जिसे आज के उदय का विशिष्ट माना जाता है पूंजीवाद पश्चिम में के दौरान शीत युद्ध. अन्य बड़े नाम रॉबर्ट रोसचेनबर्ग (1925-2008) और रॉय लिचेंस्टीन (1923-1997) थे।
- काइनेटिक कला। जैसा कि इसके नाम का तात्पर्य है, गतिज कला को शामिल करने का प्रयास करता है गति कला के काम के लिए, चित्रों और विशेष रूप से मूर्तियों के रूप में। यह आंदोलन वास्तविक (यांत्रिक, विद्युत, चुंबकीय, पवन, आदि) या आलंकारिक हो सकता है, और इसमें स्विच के संचालन या स्वयं कार्य को भेदने के माध्यम से दर्शक की भागीदारी हो भी सकती है और नहीं भी। उनके अधिकांश कार्य, वास्तव में, त्रि-आयामी थे, और 1960 और 1970 के दशक के बीच पेरिस और संयुक्त राज्य अमेरिका के उपरिकेंद्र के रूप में निर्मित किए गए थे। इस कलात्मक पहलू में महत्वपूर्ण लैटिन अमेरिकी प्रतिनिधि थे, जैसे अर्जेंटीना जूलियो लेपार्क (1928-) या वेनेजुएला के जेसुस सोटो (1923-2005) और कार्लोस क्रूज़ डायज़ (1923-2019)।
- वैचारिक कला। वैचारिक कला को एक कलात्मक प्रस्ताव के रूप में समझा जाना चाहिए जिसमें विचार या संकल्पना यह स्वयं कार्य से कहीं अधिक महत्वपूर्ण है, कम से कम एक भौतिक या भौतिक वस्तु के रूप में। इस प्रकार, कला एक टिकाऊ शारीरिक समर्थन की आवश्यकता के बिना, तकनीक के प्रति मानसिक उदासीनता की अभिव्यक्ति के लिए कम हो जाती है मूलपाठ और यह फोटोग्राफी. यह 1960 के दशक में संयुक्त राज्य और यूनाइटेड किंगडम में उभरा, लेकिन इसमें महत्वपूर्ण यूरोपीय प्रतिनिधि थे, जैसे कि जर्मन समूह FLUXUS, या जापानी योको ओनो (1933-)। इस आंदोलन में प्रदर्शन और अल्पकालिक कला के रूपों से लेकर प्रतिष्ठानों, मूर्तियों और दृश्य-श्रव्य रिकॉर्डिंग तक सब कुछ शामिल है।
आधुनिक कला
जैसा कि हमने पहले कहा है, आधुनिक कला और समकालीन कला के बीच का अंतर हमेशा समस्याग्रस्त होता है, यहां तक कि कुछ लेखकों के लिए यह अस्तित्व में भी नहीं है।
दो शब्द आमतौर पर एक दूसरे के लिए उपयोग किए जाते हैं, या कभी-कभी 20 वीं शताब्दी के मध्य से अधिक या कम मनमानी विभाजन स्थापित करते हैं, जो आधुनिक को 15 वीं शताब्दी के अंत से 18 वीं शताब्दी के अंत तक या 18 वीं शताब्दी के अंत तक फैलाते हैं। XX के मध्य तक। इस मामले में कोई एक मानदंड नहीं है।
किसी भी मामले में, आधुनिक कला को पश्चिमी मध्य युग से विरासत में मिली परंपरा के संबंध में एक महत्वपूर्ण विराम माना जाता है, प्रकृति और आलंकारिकता की नकल से दूर जाकर अधिक अमूर्त और चुनौतीपूर्ण पथ लेने के लिए, परिप्रेक्ष्य और दृष्टिकोण को सुदृढ़ करने के साथ-साथ नई तकनीकों और नई सामग्रियों को शामिल करना जो अपने साथ लाए औद्योगिक क्रांति.